Zawartość
- 01. Dodaj osobowość
- 02. Użyj podziałów
- 03. Poszukaj inspiracji u mistrzów
- 04. Nadaj temu osobisty charakter
- 05. Unikaj niesamowitej doliny
- 06. Skoncentruj się na anatomii
- 07. Zrób sesję zdjęciową
- 08. Modeluj swój przedmiot
- 09. Utrzymuj proste tekstury
- 10. Poświęć czas na oczy
- 11. Nie przesadzaj ze szczegółami
- 12. Do włosów użyj X-Gen
- 13. Stwórz nastrój za pomocą oświetlenia
- 14. Pomyśl o swojej kompozycji
Być może wiesz, jak rysować ludzi, ale stworzenie cyfrowego portretu, którego nie da się odróżnić od fotografii - jak to powyżej - to zupełnie inna sprawa. Trudno to zrobić dobrze, ale może to być niezwykle satysfakcjonujące ćwiczenie w sztuce 3D.
Portrety są jak okno na życie bohatera; naprawdę musisz kogoś znać, aby móc go dobrze reprezentować, ponieważ reprezentujesz nie tylko rysy twarzy, ale także ich osobowość. Mówi się też, że za każdym portretem kryje się autoportret, bo to także historia artysty; miejmy nadzieję, że poprzez wszystkie moje portrety dowiesz się też trochę o mnie.
- Dlaczego artyści 2D muszą uczyć się 3D
Inspiracją dla mojej twórczości są wielcy mistrzowie, Rembrandt, Caravaggio, Vermeer - te obrazy powstały setki lat temu, ale nadal łączymy się z nimi tak, jakby ci ludzie żyli do dziś. Ponieważ jesteśmy w erze cyfrowej, do tworzenia tych portretów wykorzystujemy teraz nowe narzędzia, czego nigdy wcześniej nie robiono - tworzymy nową formę portretu.
Pobierz pliki w tym samouczku.
01. Dodaj osobowość
Każdy portret, który robię, jest członkiem rodziny lub przyjacielem, ponieważ ich znam, a znając ich, mogę dodać ich osobowość. Cyfrowi ludzie potrzebują osobowości, aby byli wiarygodni; postacie w pozie T mogą wyglądać na prawdziwe, ale nie będziemy się z nimi łączyć. Kiedy widzimy ludzi, staramy się ich czytać, chcemy wiedzieć, kim oni są i tak samo powinniśmy robić z postaciami cyfrowymi - uczynić je jak najbardziej realnymi, nie tylko na powierzchni, ale także pod skórą.
02. Użyj podziałów
Awarie to naprawdę dobry sposób na promocję postaci cyfrowych. Odsłaniają się za zasłoną i pokazują dokładnie, na co patrzysz. Pokazując, że używamy narzędzi takich jak pędzel czy dłuto, pokazuje, że praca to nie tylko kliknięcie przycisku. Cyfrowi ludzie są nowi i chcą zobaczyć magię, która za nimi stoi. Awaria usuwa wszelkie wątpliwości, że może to być zdjęcie, i miejmy nadzieję, że ludzie spędzą trochę więcej czasu na docenieniu ciężkiej pracy, która została wykonana.
03. Poszukaj inspiracji u mistrzów
Zawsze ważna jest inspiracja. Moja inspiracja pochodzi od mistrzów. Na przykład styl Rembrandta tworzy nastrój, który można poczuć; jego tematy można powiązać, a każdy z jego portretów wydaje się żywy. Inną inspiracją jest Vermeer, a doskonałym przykładem jest jego obraz Dziewczyna z perłą. Ta kobieta ma perłowy kolczyk, chociaż wygląda jak pokojówka; najwyraźniej nie było jej na to stać, ale ma to na sobie, więc zastanawiasz się, czy Vermeer ją kochał, pozując ją z biżuterią swojej żony. To tworzy historię, o której chcielibyśmy wiedzieć więcej; dodanie historii do naszych cyfrowych ludzi sprawi, że będą bardziej wiarygodni.
04. Nadaj temu osobisty charakter
Praca osobista powinna być osobista. Jeśli masz zamiar wrócić do domu do pracy i tworzysz coś, co ktoś inny chce zobaczyć, to jest to tylko praca, ponieważ spełniasz marzenia kogoś innego. Nie jest to trwałe, jeśli chcesz kontynuować pracę poza godzinami 9-18. Jeśli chcesz, aby Twoi cyfrowi ludzie łączyli się z publicznością, miłość do tego, co robisz, będzie widoczna w pracy, więc nadaj jej osobisty charakter - im bardziej Ci na tym zależy, tym bardziej będzie się wyróżniać. W ten sposób stworzysz coś oryginalnego.
05. Unikaj niesamowitej doliny
Niesamowita dolina jest nadal ogromną doliną, której jeszcze nie przekroczyliśmy. Istnieje nieskończona liczba zmiennych, które czynią nas ludźmi, ale kiedy próbujemy je stworzyć, wybieramy kilka najważniejszych, o których wiemy. Widziałem postacie z kreskówek, które czują się bardzo realne, mimo że wcale nie wyglądają realistycznie - ci artyści są fenomenalni w wyrażaniu naszej emocjonalnej strony. Stwórz emocję, którą chcesz wyrazić. W przypadku Cassidy próbowałem wyobrazić sobie, o czym myśli, i mieć tę myśl jako podstawę portretu, a wszystko wypływa z tej jednej myśli.
06. Skoncentruj się na anatomii
Poznaj swoją anatomię. Chociaż wyglądamy inaczej, każda osoba ma tę samą anatomię, te same kości, te same mięśnie, te same elementy budulcowe. Na zdjęciach czasami trudno jest określić kształt i formy, więc wykorzystanie wiedzy z zakresu anatomii pomoże wypełnić te obszary. Pierwszą rzeczą, na którą patrzę w postaci cyfrowej, są uszy - coś, co łatwo przeskoczyć, ale kiedy zauważysz takie wady, trudno uwierzyć, że to prawdziwi ludzie i stają się prawie jak manekin.
07. Zrób sesję zdjęciową
Zawsze robię sesje zdjęciowe moich obiektów, około 100-200 zdjęć. Najpierw zrobię zdjęcia pod każdym kątem, a te zdjęcia służą do modelowania i teksturowania. Po drugie, pozuję i oświetlam obiekt, aby stworzyć odpowiedni nastrój, i próbuję na wiele sposobów, aby jak najlepiej przedstawić, kim jest ten obiekt. Podczas tworzenia portretu ważne jest, aby odwołać się do tych fotografii; łatwo jest dać się wciągnąć w stylizowanie naszej pracy, ale aby stworzyć podobieństwo, musisz być wierny tematowi, a to oznacza, że nie możesz im schlebiać i próbować ich ulepszać.
08. Modeluj swój przedmiot
Ustawiam wstępnie zmontowaną siatkę bazową w Maya, a następnie zabieram tę geometrię do Mudbox do rzeźbienia. Nie używam skanów, ale mój proces modelowania jest podobny do skanowania. Ponieważ robiłem zdjęcia pod każdym kątem, wyrównuję te zdjęcia w Mudboxie. Dopasuję model do kąta przedniego, potem do profilu, potem do widoku z trzech czwartych i tak dalej. Będę mieć co najmniej 8-10 zdjęć, z których rzeźbię. Kiedy pojawi się podobieństwo, zacznę skupiać się na wyrazie i ciele.
09. Utrzymuj proste tekstury
Wszystkie teksturowanie wykonuję w Mudbox; Używam każdego kąta zdjęcia do rzutowania na model. Jest dużo czyszczenia, przemalowywania i korekcji kolorów, do których Mudbox jest świetny. Zacząłem używać map tekstur XYZ, aby wydobyć szczegóły z porów. Używam shadera VRayFastSSS2 do skórki. Pchnę mapę rozproszenia tak daleko, jak tylko będę mógł, zanim za bardzo będę się martwić o specyfikację, wypukłości i mapy SSS. Wierzę w prostotę, jeśli chodzi o teksturowanie, ponieważ im prostsze, tym łatwiej jest wprowadzać zmiany na etapach lookdev.
10. Poświęć czas na oczy
Oczy są sercem tego dzieła, ponieważ są one zwykle pierwszą rzeczą, na którą patrzymy, gdy wchodzimy w interakcje z innymi. Najmniejsza zmiana całkowicie zmieni wyraz. Każdy człowiek wie, jak wygląda oko; od urodzenia rozumiemy subtelność wypowiedzi i nawet ktoś, kto nie ma doświadczenia w sztuce, dostrzeże wady. To jest powód, dla którego niesamowita dolina jest tak trudna do pokonania - jeden błąd i wpadnie w niesamowitą dolinę. Spędzam dużo czasu pracując tylko nad oczami i przechodząc przez wiele wariacji, zanim będę mógł sprawić, że będą wyglądać przyzwoicie.
11. Nie przesadzaj ze szczegółami
Twoje oko uwielbia szczegóły; wiele z nich czytamy podświadomie, a brak szczegółów będzie się wyróżniał. Ale jeśli przesadzisz, możesz odciągnąć uwagę od tego, co ważne. Detale są używane do tworzenia realizmu i wspierania ogólnego obrazu, ale nie mają być pokazywane. W moich portretach skupiam się głównie na oczach i twarzy; wszystko kręci się wokół tego i wspiera to, jeśli nie, to się tego pozbędę.
12. Do włosów użyj X-Gen
Włosy Cassidy były największym wyzwaniem, jakie miałem na tym portrecie, ponieważ pokrywają większość płótna. To był mój pierwszy raz, kiedy użyłem X-Gen, ale jestem zadowolony z rezultatów. X-Gen umożliwia tworzenie włosów, które są losowe z jednego pasma do drugiego i świetnie nadaje się do tworzenia takich pasm. Świetnie nadaje się też do tworzenia tego brzoskwiniowego meszku - jest subtelny, ale dodaje realizmu. Dodałem do włosów shader V-Ray ze zmianą koloru dla każdego pasma. Sprawiając, że włosy są przypadkowe, tracą czysty wygląd, jaki czasami mogą mieć prace cyfrowe.
13. Stwórz nastrój za pomocą oświetlenia
Oświetlenie jest kluczem do nastroju pracy, ponieważ napędza i potęguje emocje, które próbujesz przedstawić. Caravaggio jest przykładem tego, jak ostre światło może zmienić obraz; jego praca ma mocne, kontrastowe oświetlenie, dzięki czemu jego prace są dynamiczne i agresywne. Alternatywnie, Rembrandt zwykle używa łagodnego oświetlenia, które nadaje jego pracy przyjemne ciepło. W portrecie Cassidy chciałem pokazać młodość, więc użyłem ciepłego, miękkiego światła, aby pokazać ją jako osobę współczującą. Utwór jest właściwie zainspirowany delikatnym oświetleniem Mona Lisy.
14. Pomyśl o swojej kompozycji
Aby wzmocnić delikatne oświetlenie, postarałem się, aby w kompozycji nie było żadnych twardych linii. Kompozycję tworzą owale i zasada trójpodziału. Tło podzielone na dwie części, światło pozwalające jej wyskoczyć z głowy i ciemność, dzięki której jej sweter może się wyróżniać. Umiejętność czytania sylwetki powoduje mniejsze odwrócenie uwagi od jej twarzy i spojrzenia, które są głównym punktem skupienia. Kompozycja i oświetlenie są tym, co naprawdę definiuje portret - są to świetne narzędzia, które pomagają stworzyć połączenie z tematem.
Artykuł ukazał się pierwotnie w numerze 236 z Świat 3D, najlepiej sprzedający się magazyn na świecie dla artystów CG. Kup numer 236 tutaj lub zasubskrybuj 3D World tutaj.
